新手入门,弄清四十个“要不要”(转载八)
个人日记
1、要不要“后期”?
以前很多人认为摄影应该真实,拒绝和排斥后期,其实这是不对的,现在反对后期的人越来越少,就是因为大家逐步意识到必要而恰当的后期是数码摄影的一个必要的组成部分。在数码摄影这个领域,照片的色彩不一定是真实的色彩,特别是各档次相机色彩也不同。比如卡片机,因为主要是家庭使用,其中很多使用者是老人、女士甚至孩子,他们不熟悉电脑后期,所以,卡片机在相机内部就集成了较为大尺度的自动润饰功能,因此卡片机“鲜艳”或者“风景”模式下直接出片色彩也比较鲜艳好看,如果没有进一步的要求,则可以不用电脑后期处理;而一些高档单反,使用者都是比较热爱摄影或专业的人士,一般都懂得电脑后期技术,因此该相机内部虽然也集成了一定的自动润饰功能,但是相对柔性一些,侧重点在于更多的保留细节,所以自然模式下直接出片就跟肉眼看到的一样灰蒙蒙的,但使用者却拥有了自己进行个性化润饰的更大的余地,现在,虽然高档单反已经步入普通消费者行列,相机制造商也根据这一市场变化在其中添加了“标准”、“鲜艳”等自动润饰功能,但是专业人士还是习惯使用“自然”模式,因为这种模式下,相机把所有功力都用在了记录细节上,这样出来的照片虽然直接看很平凡灰暗,但是后期稍微一调整,细节顿时彰显出来,非常震撼(请看《问道、求剑(1)——要不要单反》中的前后期对比样片)。这也是很多外行自以为自己的DV“堪比单反”的误区了(还有一些摄影爱好者,看了别人单反拍摄的作品很漂亮而自己的很灰暗平凡,以为是相机不够高档或者是镜头的原因,于是烧钱不断升级机器和更换镜头,结果出片还是不理想,也是这个原因)。所以,朋友如果喜欢摄影,尤其是打算升级专业的相机甚至高档单反的话,后期是一定要学习的^_^
我们除了首先要确定不拒绝后期的数码摄影理念,我们还应进一步明白自己所需要或者说所喜欢的后期属于哪一种。我个人觉得若依照后期的力度不同,大致可分为以下几种类型:
第一,创意后期(颠覆型后期),这应该是最强大的后期了,一般应用在创意类摄影当中,这里作品风格突出、前卫大胆,其中很大的比重要依赖于后期给作品增色或是作品符合某种意图,经过后期的作品尝尝彻底改头换面,甚至完全颠覆原作,往往有超过80%以上的添加拍摄外的特效素材,这类作品在广告行业使用较多,出版业也偶有需求。
第二,专业后期(增色型后期),属于专业的图片出版印刷等行业使用的后期手法,属于学院派,流程手法严谨而统一,其原则是在保持图片品质的前提下提升作品的美(观赏性),使其更加具有冲击力和感染力。
第三,快餐后期(无个性后期),一般专业影楼使用的后期,特点是不求个性只求高效,就好像是批处理,做出来的片子风格比较雷同,而且夹杂着一种工艺品的气息或者说匠气,一看就是影楼风格。
第四,简单后期(入门后期),多见于一般摄影爱好者,一般是剪裁一下、调调地平线、拉拉色阶曲线、修修色彩、磨磨皮肤之类,偶尔运用一下滤镜、LOMO之类的特效,来为自己的作品增色添彩。
第五,非后期(拒绝后期),这类朋友发帖必称“原片”、常常标榜“未作任何后期”,似乎做了后期就等于丢了人,拒后期于千里之外。
刚才已经说了,最后一种是不对的,第一种也不是我们一般摄影爱好者能够达到的水平,即使能够做到,也不是所有人都喜欢,包括我个人,对那种颠覆性的后期也只是偶尔观赏一下而已,我更倾向于在一定程度上保持作品特质的那种“增色型后期”;还有第三种影楼风格的后期手法,由于毫无个性,了解一下偶尔玩玩即可,不能自恋其中;我们多数摄友都处在第四类,而且多数没有老师没有基础,连PS的教程也不一定能看懂,都是靠自己琢磨体会和朋友的指点获得一点后期的知识,其中少数勤奋者或许能进入第二阵营,那一定是让人羡慕的了^_^
附上几张简单的前后期对比样片,原片是在一个简易的影棚中拍摄,由于没有色温表,所以原片白平衡不准导致偏色,后期样片1进行了简单的调整,使色彩自然了一些,后期样片2、3进行了不同的后期裁剪,使构图改变,产生了稍有不同的欣赏效果,后期样片4则做了黑白处理,效果又有不同:
原片:
后期样片1:调整色调。
后期样片2:裁剪改变构图。
后期样片3:再次裁剪再次改变构图。
后期样片4:改为黑白效果。
2、要不要“所拍即所见”?
这句话原本是“所见即所得”,本意是指在摄影领域,研发者努力追求器材的进步,力求在色域、明暗宽容度等方面接近或达到人眼的辨识水平的一种美好愿望。可是后来,也不知道从什么时候开始,这句话开始被人曲解和误传,变成了另外一种含义,那就是“眼睛看到什么就拍什么”,或者是“眼睛看到的是什么样拍摄出就应该是什么样”,任何与肉眼所见有一丁点不同的作品都是错误的甚至是大逆不道的。说实话,我很费解这种观点,因为如果真要去追求绝对的“所拍即所见”,那摄影还真就无法进行下去了,因为如果超广角畸变、柔焦、虚化主体等这些表现手法被以不符合“所拍即所见”的原则而被否定,那长焦镜头所带来的空间压缩感是不是也违反了 “所拍即所见”的原则呢?还有HDR效果,明显不大自然,红外摄影就更不必说了,为什么还要尝试?难道它们就符合 “所拍即所见”吗?还有大光圈浅景深和小光圈的星芒、慢门拍摄流水等运动物体所营造的虚幻感觉以及摇拍赛车、舞者所营造的动感、微距镜头的纤毫毕现等等等等,是不是都要否定?最起码黑白照片是不能要,因为它根本就不是“所拍即所见”,现在数码相机里普遍都有的艳丽模式和各类色彩滤镜也不能要,甚至广角、长焦也都要枪毙了,那这样下去,摄影还怎么进行?更别说发展了。
追求作品的真实性,这一要求源自于新闻摄影的特殊性,真实地记录和反映事件的原貌是新闻传播的原则,因此纪实类新闻图片也要求真实,但是这里的真实指的是画面所记录的事件,这并不排斥拍摄者在构图、用光等技术层面的创意,否则,同一新闻事件那么多人拍摄,为什么最后脱颖而出成为经典的只是其中凤毛麟角的极少数作品呢?不可否认,艺术性和震撼力在其中占据了相当比重,而这些都与构图、角度、光影、色调等专业技术有关,如果仅仅只机械的追求所谓的“所拍即所见”,那我们还会看到这些流传后期的经典影像吗?
除开纪实类新闻图片,还有一种新出现的“插图类”新闻图片,用途是插入时事类、论述研讨类或专业、科普类乃至时尚类文字中,起文图呼应和辅助说明作用,有时仅仅只是为了追求版面的美观(阅读观赏效果)。这类图片不要求现场纪实拍摄,可以后期摆拍,也可以使用既往素材,甚至可以使用PS等后期创意图片,这类图片就更可以不局限于所谓的“所拍即所见”了。
那么其他类型的摄影作品就更不必有什么拘泥和束缚了,既然叫“做品”,那本身就不可否定作者的“创作”这种个性化的柔性成分,要允许作者在画面构图、拍摄角度、镜头空间视角、光影层次、色彩表现等发面发挥自己的创意想象,如果否定这一点,那还谈什么作品的创作和美学?而且任何一幅摄影作品与绘画一样都只能选取现实中的一个局部场景,构图的同时就决定了必须要有取舍,很多时候作品是否高明就在这取舍之间,你能说这也是所谓的“所拍即所见”吗?
其实我们仔细观察一下持这种观点者就可以明白,他们之所以这样固执的否定别人无非出于以下原因:一是自己的器材不能达到,自己有长焦,因此便不反对长焦,自己没有超广、微距和大光圈,便坚决的否定超广、微距和虚化,这种思想者其实就是一酸葡萄心理,改天他自己拥有那些器材了,准保不会再唱反调;第二,技术不到家,美学修养不够,只会“直拍”式“创作”(如果这样的片子也能算“创作”的话),于是,看到别人的作品手法稍有独特,自己不能做到或不能理解,便以“悖逆”杀之,其如此,皆处于一个“妒”字。
所以,我主张多看看别人的长处,要不断学习新的知识,不被陈腐的观念禁锢,不要拒绝新事物,有条件自己也可以多尝试一些新东西,更不要狭隘非人,要宽容,允许别人追求那些与自己有所不同的爱好,这样,论坛才会繁荣,才真的能百花齐放。
附带以下样片,看看这些优秀的新闻类图片,其中不乏利用广角畸变和空间透视感营造的冲击力以及利用巧妙的拍摄角度和虚实构图突出主体和所要表达的思想,或利用构图中故意倾斜的地平线表现即将在灾难中毁失的家园灯中中摄影语言和手法,那么它们是不是不符和那些机械的“所拍即所见”的教条呢:
再看以下样片:是某次外拍休息时,发现模特把自己单反相机的显示屏当做镜子在整妆,感觉这情景很有趣,可以入画,于是便抓拍了几张,想到正好可以以不同的画面虚实构成表达我个人对于摄影语言的理解和对所谓“所拍即所见”的看法,于是又采用“所拍即所见”的直白方式拍了一张,一起发上来给大家看看,也可从中体会一下镜头语言的表达和人眼的视觉感官之间的微妙不同,也许会有更多朋友认同到我的观点,那就是镜头有的时候会比人眼具有更加丰富多样的表现力,但前提是,这种表现力首先要取决于使用镜头的人的大脑具有怎样的发现美的能力和想象力^_^
样片1:当时肉眼所看到的情景,模特正对着相机显示屏整理妆容,这样拍摄,大约比较符合一些人所谓的“所拍即所见”吧^_^
样片2:剔除较为凌乱的背景,主要突出整妆的模特,而且故意把模特略微虚化掉,让人对画中模特的美丽的专注更多一份想象^_^
再看这组对比样片,片1是人物清晰,花朵作为陪衬被虚化模糊了,使画面中的人物的妩媚风情清晰可见,可谓是楚楚动人;而片2则是作为主体的人物被虚化了,作为陪衬的花朵反而有一些清晰,与1片别有不同的意趣,令人对画中人物之美遐想无限,这也不免使我想起古典诗词中常用的一种表现手法——迂回,要说一事,却不直接说,故意迂回曲折,娓娓道来,令读者跟随作者逡巡婉转,隔窗移步,虽初觉晦涩,但细品之下,却更耐寻味,喜欢哪一种,就看个人了^_^
片1:作为主体的人物清晰:使画面中的人物的妩媚风情清晰可见。
片2:作为主体的人物模糊:作为主体的人物被虚化了,作为陪衬的花朵反而有一些清晰,令人对画中人物之美遐想无限。
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