开开

       你在自然中找不到的东西，你要在画中画出来，画家根据艺术规律和构图的需要编制画面，创造完美的作品。

       所谓的艺术是来源于生活而高于生活，你在自然状态下找不到东西，你在画中要画出来；你看你这枝花这样的枝头很难看，你稍微的处理就可以了。你要在画面上安排，就是出现的交搭、出现的空间、出现的绘画的势、起承转合的变化，这就是中国画的构图。

       你看这花其实挺好看的，很有势。它的穿插是自热生长。它不可能按照你的要求生长的。不可能完全符合画家的要求。画家是在生长规律中找出艺术规律。艺术规律其中还有以白计黑，及黑当白，要注意取舍关系。

       要画出不同于别人的东西，画什么都行，要有个人的风格。要画绝，画出别人，不可能超越的程度。

       我们认识这些东西，很大程度取决于你对艺术的认识。说老说去，中国画的笔墨是依托笔、墨、纸、砚为媒介来体现；但是其它的东西是一个基本的材料，笔墨是你能够发挥到极致的材料。它是无限制无止境的。同古人创造的文化包括唐和五代。中国画起始期到成熟期，最早流传的中国画作品应该是在唐代。韩晃的《五牛图》应该是最早的纸本传世笔墨作品。从这个意义来讲呢。笔墨在纸上留下的变化以及到将来。中国画不消除，中国文化不灭绝，还是要在纸上完善笔墨。

       在笔墨上要越成熟越好。用笔的意义是无限的，要在笔墨上做文章，它是中国画的特色。问题在于你达到的程度是什么样，它体现的价值何在；这是中国画的高妙所在。

       任伯年是自晚清到现在绘画题材用的最多的画家。品种也多，鸟也多，素材也多，分类也多，构图也多，章法也多。本事大的不得了。他的作品包括山水，花鸟，人物多种题材，样样的精妙。他唯一不精的是修养。他在绘画上是个大师级的人物，他达不到巨匠的程度；因为他不是文人。一张画你构思也好，笔墨也好，造型也好，它缺少文化这种东西，这个精彩处也就丢失了；因为画画讲究人文精神。它讲的是一种味道。这个味是中国人最讲究的。

       所谓的味是指什么呢？是文人们所品赏的一种静什么，把人的根基体现出来。从外行人的眼里，你的一个点、一条线又多少文化，他不了解。八大的一团黑墨，几个叶子，他就是有文化。

       要明白你要学什么，怎么学。

       绘画的规律和其它的工艺、手工都有相似之处，都是由疏到熟；什么东西都是入门时很生疏，由陌生到熟练的程度有一个的过程。由生到熟，熟之后要很巧，巧之后要能妙，妙之后要能超能逸，这个超就是讲要有神来之笔，要有精神上的东西、文化上的东西。

       吸收外国的东西，是外来营养，但我们中国画应该精神不变。变得更丰富了，更包容了。

       幻想是人类文化进步的一种标志。

       笔墨不仅仅是画形，而且要画意，要要高于形。画家所画的是形式经过加工的形，它高于生活。画面是意象的艺术，他经过你的大脑加工，提炼，构成一个新的形象。荷花还是荷花，鸟还是鸟，但它是人的精神的体现，它是剥离了自然生态之上的一种形象。意是你的形象，历代各家画荷花都不一样，这就是意向的意。

      中国的老百姓有些很有钱，学问也不差，但他就是缺少审美，就是咱们的文化发展不平衡，这是教育体制造成的针对审美教育上存在的很多问题。

       西方的孩子自小到大都是老师、家长带到美术馆里去，往那里静静一坐，让你耐心去看。老师在这之前给你讲，会从艺术的角度给你讲，为什么这么画，为什么着这种颜色，用这样的笔触。这些孩子自小就培养了很好的审美眼睛，有高素质。

       看一张画，不应该只看表面的东西，而应该阅读，画家的心志、画家的精神取向。

       我们要理解中国画最终要打动人的东西，要明确中国画将来的发展之路，确定自己的方向。现在的老百姓就缺少一种系统的科学的学习中国画的方法，走不进去，学不进步，画到一定的程度就不行了。

       学院派就是学校提供一些列的条件，让你学习各种不同程度的老师，各种不同程度的专业。美术史有美术史的教授，艺术概论都有专业的不同老师教学。各有各的学科，花鸟、山水、人物系统分类，而且是集中了当代教育系统最好的老师。你如果来这，受到严格的规范的有系统的一种启迪化的教育，这种教育的好处在于你会少用大量的时间学到好多东西。比你在外面飘个十年八年要强的多。

      八大的画很有禅意，任伯年的画没有禅意；也玩不出什么禅意来。任伯年的形象是具细而微的形象，是小写意。真正的艺术大师能工能写意，他的本事够。

       越追求自然形，写意的笔墨味就差。你画笔墨越抽象，你的写意味就越浓，精神味就越高，但还是要依托于形。要传神，要有多元形，是要有内涵包容性形。

       画画要有激情，是自己处在亢奋的状态去挥洒。

       看画和读画是两码事。看是粗看，不经思考是看，走马观花是看，是初体验；读画是在看的基础上细心品味、研究。读，就要解读，把画面分解，叶子怎么画，有规律可循。

       我们要研究绘画的画理、学理。要熟悉花鸟的结构，事物的结构规律，要下功夫去研究；要了解鸟类的分类等知识。一个花鸟画家一定要对花卉、鸟类、动物、植物都充分的了解。

       画家画到熟悉之处要熟中有生，生中有涩，涩中有圆，园中有方。

       绘画必须有一套规律，遵循规律。

       绘画要有侧重点。没有重点，什么都不精，就不行。

       绘画时要动脑子，明白怎么去画，要解读清楚笔墨。

       吴昌硕下笔下的很重，用笔是方的；似刀切一样。吴昌硕用笔处处深厚凝重。

       临摹就是要临出画家全面的气韵生动；徐青藤的画气韵生动。

       气在画面上表现就是一种气机、气韵、一种生气、一种墨韵、一种感觉；乍看起来它不是实实在在的东西，但表现在笔墨上却又很明确。要学要讲就要讲大师级的东西。

       从笔墨到气韵，到如何产生气韵；笔墨运用之法、运用之道，用法就有道、有法力、画面才生动，有很多精神含量的东西之后才产生道。

道是什么东西？道和禅有相同之处，又不完全一样。其实是一个头脑加行动，是一种行为模式。吴昌硕的画是元气淋漓，用墨深厚凝重，笔笔都很厚重，他的画金石味很足。

中国绘画分为文人画、画家画、工匠画、民间画几大类，有高下之分；画匠的东西是简单，看红是红，看绿是绿。

作为一个画家，就是要积累文化，积累修养，积累生活。

苦难造就艺术家，艺术家要用苦难去洗礼他。

绘画是一件苦差事；吃得苦中苦，才会有成就。

凝重是凝得住，好像有很多东西藏在那里似的。用笔和笔的关系很密切。笔的使转，多面锋产生丰富的效果。笔关键在于怎么使，正确与否。

墨不要调的太熟了，要一边浓，一边淡。画写出来。

八大的提款是简，而潘天寿的提款式加强构图，丰富画面。

临摹要读画，要对画面的构成因素有一个研究，做事心中有数动笔才好。

作画要赋予所画物有生命力，有生气，才有精神，才有人气；这是中国画的高明之处。要加强临摹的感觉。要强化书法的味道，注意笔力、笔势等。

要多读书，要读于画有关的书。

画家要用多情的眼光来看世界。

下笔要有力度.，吴昌硕用笔力度强。要有气、古朴，石头很整齐的笔路要清晰，笔头要大，水分、墨量要大，气也要大；齐白石行笔慢，用笔厚更要加强笔的力度，笔要厚要吃纸；李苦禅骨法用笔，书法功力强。陈鹏先生画画时气力很足，一气呵成。

吴昌硕用笔老辣，画梅花是反圈的，线条也要粗。要自然浓淡相兼，整体感要强，行笔使转要有变化。

读画也是很重要的，要去理解画的内在，把书法和篆刻的东西也要融到画中去。要对所画的东西要熟悉，才能更好更准确的把握画面，下笔才能更准。要放的开，又能收的住；留白也有实空白和虚空白。

画画要有激情，要以气胜之；气韵足了，画面上才有味道，才能够生动。

要观察捕捉对自然和生活的观察。老和尚修道前看山是山，得道后看山还是山，只是此山非彼山。

画要有生命气息。对《芥子园》要多下功夫，许多大家都是从《芥子园》出来的。气势要灌在笔触里；笔要有使转，不能太平了；要有顿挫使转，体会笔墨味道的感觉。

洒脱并不是潦草。墨色和用笔的变化，墨色要由心而出，随意变化。潘天寿画画有破解的办法。吴昌硕画面很整齐；齐白石的虾很活，好像在水里游动一样。要肯动脑子，要掌握艺术规律。对自身的修养和功力要长期积累，方能画出有格调的东西。

以上内容是本人学习时教学笔记整理，时间仓促，如有不足之处敬请谅解；得此篇文章实属不易，望画道中人认真学习，参悟！

                                                                                              （李志凯整理，于北京市朝阳区和平农场2010年12月30日晚）