子君

 
 作为业余舞者，特别关注舞蹈正确的练习方法，偶尔看到这篇自称非舞蹈专业的剖析文，语言直白，简单易懂，尤其对初学者有一定的帮助。与爱舞蹈的你一起分享，再次感谢原作者思考的飞鱼。

1、不要长时间歪脖子、翘手掌（如左图）

这个问题可能是很多女生会犯的毛病，可能是女生比较喜欢做可爱状（比如各种自拍姿势），也可能是幼儿园学舞蹈时，大多是模拟小鸡、小鸭、小鸟之类的小动物，所以总是喜欢做些夸张的动作，尤其是头颈和手腕，尤其是转身的时候。要看看舞蹈里是否需要歪脖子、翘手掌，如果不需要，就不要做。在学会用躯干带动头颈前，如不是节奏点上的头部动作（如晃头、点头等），还是尽量让头颈保持正直（和脊椎保持直线）吧。

2、动作要有控制，不要随便。


比如，不专业地说，吸腿时大腿就是要抬高，小腿要朝大腿收，脚掌在另一条腿附近（中图中的大腿、小腿和膝盖就太随便了）；脚离地时，绝大多数情况下，脚腕要么绷，要么勾，绝对不是随随便便放松的（中图中的脚腕就太随便了）。


当然、现代、爵士、街舞等有放松技术的除外，不过这些舞蹈里的放松也是种技术，要注意运用的场合，总之，舞蹈的时候，身体的每个部分都是被关注到的，不是随便的。

3、用躯干带动四肢和头颈，尤其是手臂，（如右图）
形成比较连贯的线条，使体态有一个完整性、统一性，避免出现各种不规则的线条（如1中提到的歪脖子）。小白在没有指导的情况下，一般都是用四肢做动作、摆姿势，所以常常会觉得为什么动作都做了，可怎么看都不像跳舞，反倒是有点儿象发嗲、卖萌，甚至是撒泼、胡闹。很多cosplay的问题就是只用四肢做动作，没有躯干的运用。

4、不要为了舞蹈就太用力、太僵硬，尤其是拉伸和延展，绝大多数动作只需要适度拉伸就可以了，不需要都拉伸到自己的极限。业余小白能跳的舞蹈里，可能大多数动作的大臂都在身体前侧，偶尔有动作需要拉伸大臂超过躯干到身体后侧。

5、舞蹈里很多情况下其实是要去除多余的小动作和不规则的肢体运动路线。其实舞蹈显得漂亮的原因就如同音乐一样，当我们把声音限定在特定的音符（频率）和节奏（其实也是频率）下，以一定的方式演奏出来才是音乐，否则，绝大多数情况下，就成了噪音。舞蹈也一样，如果不把各种乱七八糟的小动作和不必要的肢体运动去掉，每次举手投足都有一些不同，都有一些不规则的小动作，一般也就不是舞蹈了。所以，练舞蹈就是要让动作都规范到几乎每次都一样，尤其是在行动路线、位置角度上。

6、注意身体的感觉


舞蹈的时候，动作到位不到位主要靠对自己身体的感觉，所以练习的时候，一定要注意身体的感觉，而不是说知道自己做了个动作就好了。上台的时候，没有镜子，没人提醒你动作要点，你凭什么知道自己的动作是否做对了呢？做的是否好看呢？那都要靠感觉，所以，练习的时候就要注意身体的感觉，把这个感觉记住，然后表演的时候去感觉是否做到了练习时的感觉。比如举手，不是说在舞蹈里举过手就好了，而是说举手的时候哪几块肌肉各有多少酸胀程度。当然，作为小白也许不能注意到那么多，但至少有个概念，对于那些重点或典型的动作或姿势可以找找感觉。（水平高了，自然就成了本能了，可能也就不用特意感受了？不过对业余的来说，还是要学会去多感受）

7、不要表情太丰富。


其实舞蹈的时候，大脑、身体都很忙，因为你需要关注并感受身体的每个地方，还要去想后面的动作，不可能用100%的精力来体会音乐的含义，所以，对小白来说，表情很可能是过头了，如同对肢体的控制一样，表情也不是随便的，用适度的精力、给出适度的表情，而这对小白来说，可能是有一定难度的，所以，带一点点意思就好。
没有表情，可能让人觉得死板，但太多了的话，不仅仅可能让看的人觉得表演过了头，更大的问题做表情很容易让人陶醉，而一旦陶醉就往往会忘记对肢体的控制，更糟糕的是可能忘记下一个动作，所以，在学会用适度的表情来配合舞蹈动作前，表情就不要太丰富了，一点点意思就好了。

8、可以多拍拍录像来斟酌一下自己的动作。


如果是练习静态的动作，一般可以用镜子，不过要找好角度、多看几个角度。不过在做完整的舞蹈、或者小段的组合时，看镜子往往会让动作走形，而且可能会干扰下一个动作，现在可以摄像的东西多了，可以录下来看。不过录下来还是会损失一些细节的，绝大多数情况下，录下来的视频，看起来都会比实际情况乏味而糟糕，所以，也不要被录像打击了，绝大多数情况下，现场效果都要比录像好不少。

9、节奏有起伏，有抑扬顿挫，有呼吸感。


好像很多小白都有这个问题，尤其是女生，会把动作做得很平滑。舞蹈讲究的是点线面结合，虽然我也并不清楚什么是点线面，不过一个舞蹈如果在该快的地方慢了，该慢的地方快了，虽然最终曲子还都是合拍的，但看着就是和一碗白开水一样，没了灵气和骨气，个人称之为“图案化”，虽然也是绘画，可一般情况下就是没有独立艺术品的感觉。当然，这还是要练的，还是要连贯的，有时候需要增加一些延伸，否则为了有快慢，反而变成了刻意的停顿和中断，可能反而是得不偿失的吧。

10、可以给自己设定一个角色。


对小白来说，绝大多数舞蹈都不是为自己度身定做的，也就是说不一定都适合自己。这时候，可能需要给自己设定一个角色，让自己更好地符合这个舞蹈。或者，在舞蹈的特色和自己的条件之间选择一个恰当的且容易理解的角色，这样比较容易让一个舞蹈更适合自己，甚至可以在整个舞蹈的完整性不被破坏的前提下，根据这个角色对部分动作做出改变。如果不给自己设定一个角色呢，很可能在一个舞蹈里，一会儿象大小姐，一会儿象小丫头，一会儿象男的，一会儿象女的，可能会比较凌乱。

11、心态正常而平静。


说了这么多，其实这才是应该放在第一条的，有人说跳舞其实就和做理工科的功课没什么太大差别，个人觉得，对一般人来说，其实有很大的借鉴意义，因为说到跳舞，很多小白都觉得是种娱乐，开心的同时还可以漂漂亮亮的。其实如果真的想把动作做得漂漂亮亮的，那么舞蹈和开心关系就不大了，反而是和练气功、练瑜伽差不多，把心放平静了，把注意力基本平均地放到身上的每个部分，或着重放到最关注的位置，但不能完全忽视身上的其他位置。舞蹈的开心可能和练气功、练瑜伽的道理一样，专注、平静，忘却不必要的烦恼，获得进步。

12、沉肩


对小白来说，1、2、3、的问题是最显眼的，沉肩倒是个小细节了，闹哄哄的环境里，可能同学、同事都不一定能注意到，要是穿上个什么带感的服装可能就更没人注意肩膀的问题了。
不过要是你自己照镜子的话，会发现，一般情况下，只要把手举起来，肩膀都会情不自禁地升（抬、耸）起来，如果沉肩的话，你会发觉好看一点。所以，绝大多数情况下，保持沉肩的感觉应该是不错的，尤其是举手的时候，应该说一举手就马上要想到【再次】注意是否沉肩了。

13、挺胸、收腹、提臀是要直立感，千万别撅屁股


如果搞不清楚、又没人指点的话，吸一些肚子、保持身体的适当紧张、简单站直就好。个人觉得直立感其实是挺难找的一个事情，每个人的身体条件都不是完全一样，真正好的姿势很可能要有经验的人在旁边看着来调整，完全通过文字来了解找感觉，真的挺难，说也说不清楚，听也听不明白。记得当年在健身房，有不少小白和老白（好像也包括我自己）就以为提臀是把尾椎向后上提起一点，其实这就变成了撅屁股了，是不对的，可能还不如正常直立。当然，保持身体的适当紧张，也不要僵硬了，不恰当的说，即便不做任何动作，身上始终有个30-40%的紧张度。

14、对抗性发力


楼上说到“即便不做任何动作，身上始终有个30-40%的紧张度”，为什么呢？除了直立感，还有什么用呢？其实紧张感只是身体感觉和结果，真正要做的是对抗性发力，通过肌肉的紧张来纠正身体的姿势、姿态，或者纠正一些天生的美学缺陷。同时，另一个主要作用是使动作更稳定，加强对身体的控制，而对侧肌肉的适当紧张和运用在控制动作的快慢和启停上都有着重要的作用。所以，很多动作可能不是像看起来那么直接，比如向左侧弯腰，很多情况下都不是放松左侧腰部的支撑来使身躯向左弯曲（这个感觉是落下的），而是继续拉伸右侧腰部，这样会使线条更挺拔、修长，而且具有柔韧的延伸感、呼吸感（这个感觉是向上的）。

15、欲左先右的范儿（古典舞）


古典舞有个起范儿的概念，一个动作前往往都向相反方向先小幅度地运动一下，不用把它当做一个完整的舞蹈动作，否则会把一个舞变得很复杂而死板，可以说这只是古典舞动作的一个“味道”。可以类比为打拳时，先把拳收回来再打出去，真正的动作是打出去，而收回来可以加大动作的幅度，自然可以加大力度。古典舞里，这个收回来的动作主要是加大幅度和韵味，使动作更为圆润。

16、找找腰腹的感觉，看看一个动作能不能从腰腹开始启动（古典舞）


和3、差不多，只是可能我自己比较喜欢太极拳的缘故，而古典舞的3大来源（芭蕾、戏曲、武术）里也有太极拳，所以对古典舞来说，相对其他舞蹈可能更要强调一下腰腹。


如果我没有理解错的话，对太极拳来说，腰就是中枢，腰一动，就像发动机一样，全身就都动了；古典舞是不是也类似？很多动作都是从腰腹开始的吧？提沉冲靠应该也是吧。而提沉冲靠则是身韵派古典舞的基础。所以，如果没有人指点、没有时间好好学，可以找找腰腹的感觉，看看一个动作能不能从腰腹开始启动。

17、音乐和现场


音乐对舞蹈来说是重要的，不过并不是最重要的，一个成品舞都已经按编好了，你要做的、最重要的是按既定的节奏、身体的节奏和速度完成动作，其次才是现场和现场的音乐带给你的一些细微拿捏。也就是说，对小白来说，如果完全按既定动作完成、完全没有根据现场和音乐自行发挥并细腻化的话，也许满分可以达到90分；但如果过于陶醉在音乐里，既定动作完成得不到位的话，很可能缺乏控制，甚至东倒西歪、手忙脚乱，又变成前面说的，缺乏控制，结果活生生把大小姐跳成了泼妇，把豪杰跳成了流氓，满分最多40-50分了吧。这两种情况哪个更有水平，一目了然。
当然，想要恶搞的除外。

18、“留”给台口


其实是说要“展现”给观众，不过对小白来说，表演的时候紧张还来不及，要是跟小白说“观众”就更紧张了，而且即便是专业舞者，绝大多数情况下，观众可能更多也只是一个方向而已，要避免自己的情绪、动作、思绪被观众打扰。
所以，尽量要把最好看的一面展现给台口的方向，尤其是侧面和背面对着观众时。转向侧面时，往往是转向斜前方，或者身体的某个部分朝着斜前方，而不是完全的左侧或右侧（当然，这要看舞蹈的编排）；而转向背面时，也许带一点留头，就让人觉得缠绵很多，是不？就好像和恋人分别，彼此不回头多看几眼？道理是一样的。当完全转到背面时，就格外要留意肩背了，千万不能觉得是背向观众就可以放松而掉下去啊！不信？你找个人让他从背面看看，你挺胸、沉肩、收腹和放松肩背到底哪个好看，你一放松往往会有驼背的感觉，一定不会好看的。

19、 不要跳

虽然舞蹈说起来是叫跳舞，可小白能跳的舞蹈里，其实跳是不会多的，脚下更多的只是不同步速、步幅的走和小跑，以及吸腿、抬腿、踢腿等姿势，只有在需要跳的地方才要跳。如果你一直在跳，你就要当心，这一般是你手忙脚乱，跟不上动作的仓促之举，这时候，你最需要的是熟悉动作，千万不要以为舞蹈里有些跳是正常的，走就是走、跑就是跑，如果在不该跳的地方跳了，一般都会破坏原有的风格，显得仓促而轻浮。这个问题在那些需要“压得住”的舞蹈里尤其严重，比如古典舞里往往要表现大家闺秀或者书生义士，这些人怎么可能连走个路都蹦蹦跳跳的呢？

20、顶天立地、无限延伸 （补充13）

对于有【延伸感】的舞蹈来说，比如古典、芭蕾、国标等等，你始终要有把肢体拉长、撑长的感觉。直立时，顶天立地，可以让你既有延伸感，但又扎根在地上，如果只一个劲儿地向上，忘记了向下，人会不稳，别人看着也往往会觉得头重脚轻，或者摇摇晃晃。
至于延伸，是你动作基本到位的情况下，顺着原有的路线，继续延伸那么一点点距离，延伸的速度越来越慢，停止时，达到你能达到的极限。这时候，好像一般都会觉得关节有些发胀、手指有些发麻的。

21、注意方向 （补充18）

很多小白往往看到挥手就是挥手，看到踢腿就是踢腿，结果做出来不仅仅是味道不对（往往是因为没有身体的律动，如古典舞的身韵），更多的情况下是连看着都不怎么像。为什么呢？这往往是因为方向问题。小白往往只在意动作有没有做，而忘记了方向，要知道身体的各个部位都可以有不同的方向，比如拧身时，脚下可能是向3点的一条直线，而胸口却是向着1点/2点的，而头可能向着8点的上方，眼睛看的是7点，手还可以向其他点位。
  
上图是舞台的地面，1点是台口，是观众席，也是你直立时面对的那个方向。
还听说过一种台口的点位，其实就是每个方向（面）上又有9个点：1-左上、2-上、3-右上、4-左、5-中、6-右、7-左下、8-下、9-右下。这个好像提到的人不多，这里说一下就是希望大家知道，我们其实有9点*8方向=72个方位哦！我们肢体的每个部分都要找到合适的方位哦！虽然这些方位只是一些模糊的位置，并不是科学计算的那么精确，不过，如果你的手脚囫囵吞枣地随便放，那么你最终做出来的姿势是完全不会像的。如果连静态的姿势都不像，那么连接不同姿势之间的动作又怎么可能象呢？